Музей Тикотин. 60 современных гравюр и выставка «Сокровища коллекции» к 60-летнему юбилею

Музею японского искусства в Хайфе в этом году исполняется 60 лет. Прекрасный возраст для музея, запасники которого за это время успели обогатиться интересными, уникальными экспонатами, а в музейных залах экспонируются постоянно обновляемые экспозиции, в которых сочетаются старина и современность.

Слово Тикотин очень удачно легло в пазл названия музея, ассоциируясь в нашем сознании с чем-то японским. Каково же было наше удивление, когда на экскурсии, организованной ассоциацией Музеев Хайфы, оказалось, что это фамилия основателя музея Феликса Тикотина, еврея-архитектора, родившегося в Польше и в течение 40 лет коллекционировавшего уникальные и очень ценные художественные произведения японского искусства.

Немного истории. 50-е годы XX века. Создание музея

Во время Второй мировой войны семья Тикотина пережила нелегкие времена, скитаясь по свету, вначале сбежав из Польши, оккупированной нацистами, в Голландию, а когда и эта страна оказалась занята нацистами — в Швейцарию. Возможно, пережитые во время войны евреями страдания подтолкнули Тикотина к мысли оставить свою уникальную коллекцию Израилю. В 1956 году Феликс Тикотин приезжает в Израиль, чтобы воплотить свое решение в жизнь. В то время мэром Хайфы был Аба Хуши, который активно приглашал в город людей творческих профессий: художников, скульпторов, архитекторов. Аба Хуши оказал Феликсу Тикотину радушный прием, пообещав, что для его коллекции в городе будет создан музей.

Музей был построен на территории дома Киш в 1959 году, на городском бульваре (Шдерот ха-Насси) на вершине горы Кармель. Выставочный зал музея был спроектирован в японском стиле: просторный зал, движущиеся двери, покрытые бумагой, и сад Дзэн. Все это вместе создает особое наполненное воздухом пространство, в которое органично вписаны произведения искусства и предметы японской старины.

В 1995 году в музее было создано новое крыло. Оно было спроектировано известным японским архитектором Ёсимура Дзюндзо и израильским архитектором профессором Альфредом Мансфельдом из Хайфы и финансировалось Японским Фондом (Nippon Foundation). Новая двухэтажная конструкция  площадью 1800 кв. м.  включает в себя два выставочных зала, кафе и хранилища музейной коллекции.

Путешествие по выставочным залам музея дает возможность посетителям ощутить и понять дух и культуру Японии.

 

60-лет музею и 60 гравюр современного японского искусства, а также выставка «Сокровища коллекции» в музее.

Сегодня в Музее японского искусства Тикотин находится около 7 000 современных и традиционных японских работ, включая картины и гравюры, книги, украшенные в старинной манере, а также разделители комнат — сёдзи, старинные мечи и различные предметы искусства.

60 лет прошло с того времени, как музей открыл свои двери для посетителей. Эта цифра отображена двумя японскими иероглифами на красных полотнах в залах музея и на фасаде здания. 60 звучит на японском как КАН-РЕКИ. Об этом говорит и надпись на иврите на плакате на стене музея: קאן-רקי. На самом деле иероглифы обозначают не только цифру 60, а подразумевают окончание одного цикла и начало другого. Потому, что у японцев цикличность ассоциируется с числом 60. Интересно!

Участники Объединения журналистов и блогеров Хайфы и Севера в музее Тикотин возле плаката «60»

60-летний юбилей и 60 произведений современного японского искусства графики представлено в 2-х залах музея и еще одна выставка «Сокровища коллекции» экспонируется в центральном выставочном зале.

На выставке «Сокровища коллекции» представлены различные экспонаты из запасников музея, коллекции, собранной Феликсом Тикотином.

Здесь и уникальная в своем роде японская живопись на свитках, и картины, и предметы прикладного японского искусства, и театральные куклы, и мечи.

Путешествие среди сокровищ коллекции. Японская живопись периода Эдо.

В отличие от живописи на холсте в западном искусстве, в Японии живопись создавалась с древних времен на свитках. И в этом сказывалось влияние Китая на тогдашнюю традиционную Японию. На выставке «Сокровища коллекции» представлена японская живопись периода Эдо, который длился примерно с начала XVII до середины XIX века.

В это время в результате политики самоизоляции, так называемого «сакоку», практически весь период Эдо,  страна находилась за железным занавесом, не ведя торговли и не сообщаясь с другими странами , за исключением Китая и Голландии. Тогда еще Эдо (Токио) не был столицей , но постепенно становился культурным и административным центром, именно там находился сёгун, главный военный командующий. Это был период, когда страной правили самураи. До этого столицей был город Киото, и император продолжал там находиться.

В период Эдо произошло не только становление японского духа, появление национальной японской идеи, развитие экономики и чиновничьего аппарата, но развились уникальная, не подверженная влиянию западных цивилизаций японская литература, поэзия и живопись.

Конец периода Эдо XVIII — первая половина XIX века стали «золотым веком» цветных гравюр укиё-э. Хотя   среди самураев оставалась популярной традиционная монохромная живопись, рисунки на свитках из японской бумаги, которую называют рисовой бумагой. На самом деле она делалась из волокон коры тутового дерева.

Живопись, картины известных художником создавались и на шелке. Картина, созданная на разных видах японской бумаги и шелке, наклеивалась на основу, чаще всего, из парчи, и иногда склеивалась из нескольких частей.

Самураи считали мещанскими разноцветные гравюры. И понятно, ведь теперь картины, выполненные в технике цветной ксилографии, могли позволить приобрести себе практически все. Японская живопись перестала быть искусством для избранных. Элитарное искусство отошло на второй план, появилось искусство народное для широких масс

Поначалу разноцветные гравюры вовсе не считались искусством. Рисунок, создаваемый из последовательной печати с вырезанных из дерева досок, на каждую из которых наносился свой цвет, штамповался множество раз. Поэтому к таким картинам относились, как сегодня мы относимся к постерам. Они печатались в 1000-х экземпляров, и каждый мог себе это позволить. Напечатанные экземпляры не нумеровались, за каждой работой стоял издатель.

Традиции монохромной живописи продолжили Икэ-но Тайга и Урагами Гёкудо.

Во времена позднего периода Эдо прославились портретисты Китагава Утамаро и Тосюсай Сяраку и пейзажисты Кацусика Хокусай и Утагава Хиросигэ. Их работы оказали значительное влияние на европейскую школу импрессионистов 2-й половины XIX века.

Кстати, по поводу красок, посредством которых создавались картины. Синтетических красок не было, использовались пигментные краски, получаемые из растений и минералов.

Лишь однажды бочка синей краски была завезена в страну Восходящего солнца на одном из голландских кораблей во времена Эдо. Это стало событием для художников. Специалисты отмечают, что у Хиросигэ много синего цвета в его работах.

Постепенно японские гравюры сначала случайно, а потом специально стали завозиться в Европу. Япония открыла для себя западные цивилизации и сама открылась им.

Кстати, интересный факт. По произведениям Отагава Хиросигэ (1797 -1858), его серии «100 знаменитых видов Эдо», Ван Гог создавал свои работы. По одной из них художник написал свою знаменитую работу  «Цветение дерева сливы» .В творчестве Винсента Ван Гога влияние японской графики огромно. В своих трех картинах Ван Гог копирует японские цветные гравюры или воспроизводит их в масляной живописи. Им двигало ненасытное желание  проникнуть в тайны японского искусства. На основе японской гравюры пером Ван Гог, изучив 15-томную манга (собрание эскизов) Хокусая, развил свою ритмическую «точка-тире» структуру живописи, перенесенную им затем на масляную живопись.

Отагава Хиросигэ (1797 -1858), картина из его серии «100 знаменитых видов Эдо», на основе которой Ван Гог создал свою работу.

 

Уникальные предметы японского быта, экспонаты прикладного искусства.

Как уже упоминалось, первоначально цветные гравюры не нумеровались. Но постепенно, с ростом популярности их авторов -художников, количество копий работ, выполненных в технике цветной ксилографии, стало уменьшаться, что подчеркивало их эксклюзивность и требовало указание авторства.

Рисунки печатались в мастерской, где работали художник, который делал эскиз, гравер, который выгравировывал рисунок на досках и перчатный мастер, который это все печатал. Над всеми стоял издатель и цензор, который решал, что можно печатать. Если взглянуть на работы того же Отагава Хиросигэ, то мы увидим на них несколько печатей.

Употребление печатей стало общепринятым . На каждой работе ставилось несколько печатей (вместо подписей ). 3 или 4: художника, гравера, цензора, издателя.

В Японии по сей день есть именные печати. Где хранились именные печати мы также узнали на выставке «Сокровища коллекции» в музее.

Все в жизни взаимосвязано, и интересно , как от произведений японской живописи, потянулась ниточка к уникальным предметам японского быта, к традициям японской повседневной жизни.

От гравюр, на которых мы видели оттиски печатей – к коробочкам, в которых эти личные печати хранились – так называемым «инро».

И стоило взглянуть на них на выставочном стенде за стеклом —  чтобы сразу понять , что и они являлись произведениями прикладного японского искусства. Но продолжим по-порядку.

Как известно, 200 лет назад в Японии носили исключительно кимоно. Кимоно подвязывали поясом. Печати с коробочками с печатями носили мужчины на поясах. Но их было не принято привязывать к поясу, а перекидывать через него на ниточке, уравновешивая миниатюрными статуэтками – «нэцкэ». Нэцкэ  использовались  в качестве подвесного брелка на традиционной японской одежде, которая была лишена карманов. Небольшие вещи вроде кисета или ключа клали в особые ёмкости (называемые сагэмоно ). Ёмкости могли иметь форму кисетов или маленьких плетёных корзинок, но наиболее популярными были ящички (инро), в которых носили и печати.

Нэцкэ служило одновременно своеобразным противовесом и изящным украшением одежды, предметом прикладного японского искусства .Поначалу нэцкэ делались из дерева, а потом из других материалов. В основном, это была слоновая кость. Слоновая кость – это не только бивни слона, но и зубы различных морских животных, которых в Японии огромное множество.

Здесь 2 вида известных в Японии статуэток-нэцкэ.

Это «шиши» – скульптуры хранителей храмов от злых духов: полулев-полусобака и жираф в миниатюном исполнении. Кстати, двери в храм красили обычно в красный цвет, означающей доброе и хорошее.
Что касается самураев, то они носили не только именные печати и кошельки, но и мечи с левой стороны, чтобы можно было быстро их при необходимости вынуть из ножен.

Конечно, на этом наше путешествие по залам музея Тикотин не закончилось. Мы ознакомились с предметами для чайной церемонии: сосудов для хранения порошкового чая, чаш и других атрибутов и , кстати, узнали что для чайной церемонии использовалась только керамическая посуда, а никак не фарфор.

Кроме того очень ценными считаются и по сей день реставрированные чаши в технике кинцуги. Чаши даже специально разбивались и склеивались с помощью лака, полученного из сока лакового дерева (уруси), смешанного с золотым, серебряным или платиновым порошком. Философская основа искусства кинцуги заключается прежде всего в том, что поломки и трещины неотъемлемы от истории объекта, и поэтому не заслуживают забвения и маскировки.

На выставке мы увидели портреты гейш и не только. Узнали, что и гейши, и женщины для увеселения плоти, были высоко образованными, прекрасно были знакомы с тонкостями чайной церемонии и умели вести философские беседы на различные темы. Но на портретах присутствовали специальные детали в одежде и головных уборах, которые отличали гейш от женщин для увеселений.

Что касается выставки современной японской гравюры, то здесь представлены известные авторы и интересные работы.

Выставка «60 современных японских гравюр»

Выставка «60 современных японских гравюр», приуроченная к 60-летию музея японского искусства Тикотин, является совместной инициативой галереи Йосейдо в Токио и музея Тикотин. В честь этого торжественного события в музее выставлены работы шестидесяти современных японских художников-графиков. Пятьдесят семь художников решили пожертвовать свои работы в коллекцию музея по завершении выставки, а галерея Йосейдо передаст в дар музею оставшиеся три работы.

Современное японское искусство космополитично, главным образом благодаря высокой скорости поиска информации, мобильности художников и международным выставкам, в которых они принимают участие. Каждый художник пытается отразить в своих работах свое воздействие на настроения и течения, преобладающие в современном мире искусства, и свой личный подход к его изменению, и обращается к происходящему в личном «глоссарии». Естественно, что представленные на выставке работы демонстрируют значительное тематическое и стилистическое разнообразие.

Их не перескажешь.

Лучше увидеть все своими глазами.

Музей открыт в субботу 12.12.20.

Добро пожаловать в музей, который полностью посвящен японской культуре и коллекционированию, сохранению и экспозиции японского искусства и является единственным в своем роде на Ближнем Востоке.

Следите за объявлениями.

Автор: журналист Татьяна Климович

Фото автора